El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes.
Características:
Abstracción
Economía de lenguaje y medios
Producción y estandarización industrial
Uso literal de los materiales
Austeridad con ausencia de ornamentos
Purismo estructural y funcional
Orden
Geometría elemental rectilínea
Precisión en los acabados
Reducción y síntesis
Sencillez
Concentración
Protagonismo de las fachadas
Desmaterialización
El término minimalismo también se utiliza para describir una tendencia en el diseño y la arquitectura, donde la estructura se reduce a sus elementos necesarios. El diseño minimalista ha sido muy influenciado por el diseño tradicional japonés y la arquitectura. Además, los trabajos de los artistas de De Stijl es una importante fuente de referencia para este tipo de trabajo. De Stijl ha ampliado las ideas que se podría expresar mediante el uso de elementos básicos tales como líneas y planos organizada de manera muy particular.
CULTURA POP
Con actitud realista la cultura Pop integró las imágenes de la publicidad, el cine y la televisión, los periódicos y revistas; y se aproximó a los mecanismos de la pintura hiperrealista.
LOS 60’S
Nuevos conceptos y propuestas sociológicas, científicas, filosóficas y artísticas: COMPLEJIDAD, CONTRADICCIÓN, AMBIGÜEDAD, PLURALIDAD, DESORDEN, INSERTIDUMBRE Y DESEQUILIBRIO
EL TODO
Todo esta en relación, las partes del todo, el todo en las partes.
El mundo esta conformado por sistemas de gran complejidad y no por elementos que se puedan separar.
“El efecto mariposa”
INFLUENCIAS.
Teoría de la Complejidad, teoría de la Información, la Cibernética y la teoría de Sistemas, aportaciones formales del Pop Art, el Independent Group y la música Pop de Gran Bretaña, el dadaísmo y surrealismo.
*El Pop Art consideraba que todo podía mezclarse e ironizarse, convirtiéndose en iconología. Como el surrealismo, que decía que todo objeto encontrado podía incluirse en la obra.
– Surgió como resultado la crisis de los paradigmas de la ciencia clásica, el racionalismo y los conceptos universales y la fusión de la baja y la alta cultura.
*La cultura pop surgió en Gran Bretaña y se consolido en E.U.A.
ANDY WARHOL
Y EL POP NORTEAMERICANO
Inicialmente trabajó como publicista. Reproducía objetos de personajes reconocidos, imitando en sus cuadros las técnicas de los medios: cuatricromías de impresión, la trama de la reproducción fotográfica, el punteado y la paleta de colores de la televisión.
The Velvet Underground exploró la parte contracultural y el realismo sucio del pop art en su música.
The Factory en NY, creada por Warhol, fue el foco de agitación artistica, peliculas realistas,grafitti y jóvenes artistas procedentes de las calles como Keith Haring y Jean-Michel Basquiat.
Obra de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat.
Keith Haring
Jean-Michel Basquiat.
Roy Linchtenstein, aplico la ingeniería del comic en sus pinturas. Figura norteamericana
Del pop art.
Arquitectura:
El paisaje puede resemantizarse a partir del uso del objeto, cambiando su escala y concepto.
Claes Oldenburg
Wolf Vostell
Tom Wesselmann
DISEÑADORES
ANTTI & VUOKKO NURMESNIEMI
Sus diseños industriales, de interiores y muebles, textil y de moda ayudaron a dar a conocer la vanguardia del diseño en Finlandia durante las postguerra a nivel internacional.
*Crearon su firma en 1964.
A lo largo de los 60’s Antti diseño interiores de bancos, restaurantes y oficinas, con un aire sofisticado que sólo se había visto en los diseños de Alvar Aalto.
Taburete para sauna. 1952 para el Hotel Palace de Helsinki.
VUOKKO NURMESNIEMI
Vestido Helle, 1988.
Diseño de modas por Vuokko.
Hacia recreaciones realistas de las iconologias del consumo en el modo de vida norteamericano. Imágenes esteriotipadas, simbolos sociales de bienestar, en las que el individuo real desaparecia en el anonimato y los medios de comunicación.
*El pop Art desde el punto de vista de Andy Warhol parte de una realidad compleja. Donde destacan las superposiciones. Basado en el disfrute de mezclar imágenes, pensado para las personas cuya existencia se desarrolla bajo el dominio de los medios de comunicación, hedonistas y consumistas, quien absorberá iconologías y mensajes, en una sociedad que da énfasis a los gustos de los jóvenes.
Joe Colombo
Trabajo en productos y sistemas que combinaban innovaciones tecnológicas y nuevas formas de concebir su utilidad. Para él el diseñador era mucho más que un simple creador de productos: daba forma al entorno en el que vivía.
Decía que los interiores constituían la suma de todas sus partes por lo que cada mueble o accesorio resultaba importante. Tenia como concepto “sistema de vida”, su pasión eran los muebles con formas y materiales innovadores, que pudieran producirse en serie.
Mini-kitchen. 1963
inspirado en viajes espaciales
*Realizó aportaciones muy futuristas al diseño de muebles en su búsqueda de nuevas formas de sentarse.
Sus lámparas eran aun mas radicales, su intención era crear nuevas formas de dirigir la luz con tecnología de punta.
El diseño de los años cincuenta represento para Italia el primer estilo moderno difundido a nivel popular.
La cultura italiana de aquellos años se caracterizo por una inclinación espontánea hacia el descubrimiento del universo social y popular.
La forma de los Objetos
El diseño alimentó nuevos mitos y se concentró en la renovación de las «formas de vida» como símbolo del profundo cambio social.
La decoración se convirtió en uno de los más debatidos en las sociedades urbanas de aquellos años.
El diseño industrial representó la esperanza de realizar, aquel cambio cultural y social que obstaculizaban las instituciones públicas.
Lanzamiento en Italia del nuevo Fiat Calculadora Divisumma 24
500, a comienzos del boom.
Motocicleta Vespa
Este tipo de diseño estaba destinado a realizar pequeñas series de productos semiindustriales y se proponía satisfacer las necesidades productivas, tecnológicas y funcionales.
El estilo consistía en una obra de desgaste radical del producto en reducirlo a formas simples pero dinámicas.
Carlo Mollino
Arquitecto y diseñador italiano.
Representa uno de los caos extremos de refundación privada de los códigos usuales del diseño.
«Todo es permisible con tal de que sea fantástico», frase que pareció marcar su estilo en el trabajo.
Su obra se caracteriza por el predomino de la línea sinuosa, casi aerodinámica, y por la reinterpretación moderna de las técnicas artesanales.
La epoca dorada del diseño italiano
En Italia, el prolífico paso de los años cincuentas a los sesentas, se produjeron cambios en al ámbito social y económico que situaron al diseño italiano en una posición completamente autónoma y original.
Italia: el nuevo paisaje doméstico
1972 por Emilio Ambasz –MOMA- mostraba lo variado que era el panorama del diseño italiano
Aquí se expusieron las obras de ettore sottsass jr, los hermanos castiglioni, marco zanuso, mario bellin y vico magistretti entre otros.
Ettore Sottsass y olivetti
Importante arquitecto y diseñador italiano
Fundador del Grupo de diseño Memphis y un importante consultor de diseño para Olivetti
Marco Zanuso
Diseñador industrial y arquitecto ubanista.
considerado uno de los padres fundadores del diseño industrial italiano.
Se caracteriza por el problem solving, donde la solución solo es aceptada si es elegante, señorial y cómoda.
Mario Bellini
su actividad profesional abarca la arquitectura, el planeamiento urbano y el diseño de mobiliario.
sillas de oficina innovadoras diseñadas para Vitra.
fue consultor de diseño delegado de Olivetti.
ha diseñado mobiliario y sistemas para B&B Italia y Casina, sets de TV para Brionvega, y sistemas y órganos eléctricos de alta fidelidad para Yamaha.
trabajó como diseñador en renault y en 1972 fue comisionado para diseñar y construir el prototipo de entorno móvil para la exhibición «Italia: El nuevo paisaje doméstico» en el MOMA.
Vico Magistretti
Diseñador italiano
Trabajo en la tipologías renovándolas a través de su estilo
Durante los años 50s se movió en el campo del mobiliario de producción masiva y lámparas
Los hermanos Castiglioni
Arquitectura, Diseño y Urbanismo, buscando nuevas formas, técnicas y materiales con el objetivo de alcanzar lo que él denominaba un «diseño integral“
utilizar el mínimo de materiales para crear el máximo efecto
Se trataba de estudiar la función y la forma, la conexión entre el producto y el usuario
Diseño Norte-americano
RAYMOND LEWY »DARLE FORMA A LA VIDA COTIDIANA»
Arquitecto del diseñador, american way oflife.
De los primeros que planteo, el mejoramiento del aspecto visual de los productos con argumentos en venta.
En el siglo anterior la industria estadounidense se caracterizaba por su creatividad y calidad en los productos mas no es su estética, el publico no era demasiado exigente al respecto y los productos se vendían.
Nació en Paris en 1893 , desde joven evidencio capacidad para el diseño.
1909 puso a la venta la patente de su creación del avión ‘’Ayrel’’.
1919 en New York trabaja como diseñador de modas.
Lo que llamo su atención fue la incoherencia entre los productos estadounidenses y sus resoluciones formales y se promociono ‘’Entre dos productos del mismo precio, función, y calidad, se venderá mejor el mas bonito’’, años mas tarde publico su libro lo feo no vende
1929 el fabricante de mimeógrafos Samuel Gestener le encarga su primer trabajo de diseño industrial y esto lo convirtió en el colaborador del florecimiento económico de los E.U.
“el diseño industrial hace a los hombres felices, a los comerciantes ricos y da trabajoa los diseñadores”
lowey tuvo un rol destacado en el hogar estadounidense, por los artefactos caseros la mayoría diseñadospor el.
la NASA, TWA, EXXON, Coca Cola, greyhouse, quaker, vogue, New man, Singer, frigidarire, studebaker… fueron clientes de su estudio; luego de la segunda posguerra se convirtió en asesor de la industria japonesa y del gobierno ruso.
Para 1955 raymond lowey contaba con 250 empleados
Lowey decía que cuando uno diseña debe tener en cuenta la gran masa de publico. Y al mismo tiempo creo que debe existir una preocupación por elevar el nivel estético de la sociedad y vigilar siempre el control de calidad.
Adhiere una idea que resume en el diseño debe ser lo mas avanzado posible pero todavía aceptable. Fallece prácticamente en anonimato.
Diseñadores del Neo-vanguardismo
Gio Ponti (1891-1979)
Pintor, arquitecto, pionero del diseño, talento de múltiples actividades.
Dentro de sus líneas básicas, expresa la vivacidad creativa y la extrema.
Recurría tanto a la tradición como a la modernidad
Trabajó con talleres artesanales.
Diseño desde edificios, zonas urbanas e interiores hasta muebles, electrodomésticos y adornos.
Hans Wegner (1914)
Reconocido como un diseñador de muebles.
Destaca por sus más de 500 modelos de sillas, que muchos se han convertido en clásicos.
Su estilo es a menudo descrita como la funcionalidad orgánica, un modernista escolar con un énfasis en la funcionalidad.
Ernest Race(1913-1964)
Fue uno de los creadores mas innovadores de su época, sobre todo en el empleo de nuevos materiales.
Formuló el llamado estilo contemporáneo, que se conoce a corriente de diseño de muebles ligeros, orgánicos e informales.
Buscaba crear objetos de gran calidad para un amplio sector de la población.
Tapio Wirkkala
(1915-1985)
A pesar de haber estudiado escultura, saltó a la fama como diseñador de objetos de vidrio.
Tomó clases de fabricación de objetos de vidrio, aunque decidió realizar los diseños de forma artística, creando personalmente los moldes.
Añadía elementos naturales como madera u hojas sobre el vidrio para crear nuevos acabados y texturas.
En los años setenta volvió a la escultura y creo figuras de pájaros en bronce.
Robin & Lucienne Day
(1915-1917)
Diseñadores británicos mas importantes de los años cincuenta.
Diseñaron telas y muebles.
La pareja contrajo matrimonio y trabajaron juntos.
Robin diseñador industrial de mobiliario británico.
Lucienne diseñadora textil.
Marcello Nizzoli
(1887-1969)
Es diseñador gráfico, de telas y de exposiciones.
Su diseño era a la vez sofisticada y única.
Desempeñó en una amplia variedad de campos del diseño, realizando tanto desarrollo de productos industriales como gráfica y arquitectura.
Creó la máquina de escribir Olivetti durante los años cuarenta y cincuenta.
Eliot Noyes
(1910-1977)
Estudió arquitectura y diseño industrial en Harvard
.Creía que los buenos diseños existían y que resultaba necesario apoyarlos.
Inspirado más en valores comerciales europeos que americanos.
Trabajó en proyectos de IBM , sobre todo la IBM Selectric máquina de escribir y el Centro de investigación Aeroespacial de IBM.
Hans Gugelot
(1920-1965)
Estudió ingeniería y después arquitectura.
Ejerció una gran influencia en la formación del diseño «neufuncionalista».
Defendía la simplicidad geométrica y la eliminación de los detalles superfluos.
Se convirtió en el modelo industrial por excelencia en el diseño de productos.
Douglas Scott
(1912-1990 )
Fue uno de los primeros diseñadores industriales y profesionales de Gran Bretaña.
A pesar de la relevancia y calidad de su obra, que abarca diseños tan conocidos como la cocina de gas Aga (1938), el clásico autobús londinense Routemaster (1953) y los buzones del correo británico de principios de los años sesenta.
Sus diseños no resultan llamativos, pues su mayor preocupación se dirigía a que los productos pudieran fabricarse con facilidad, funcionen bien y fueran prácticos
Kenneth Grange
(1929)
No se formó como Diseñador Industrial sino como un artista e ilustrador.
Su carrera independiente comenzó casi accidentalmente con algunos encargos para stands de exhibiciones.
Sus conceptos de diseño se aproximan a una reconsideración de sus fundamentos, función y uso. Grange ha dicho que su actitud a la hora de diseñar un producto, es que sea un «placer utilizarlo».
La Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación o Escuela de Ulm) fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania.
Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. La HfG ganó rápidamente el reconocimiento internacional. Durante su funcionamiento fueron investigados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño, dentro de los departamentos de: Comunicación Visual, Diseño Industrial, Construcción, Informática, y más tarde de Cinematografía.
El edificio de la HfG fue diseñado por Max Bill y sigue siendo, hoy en día un edificio importante y funcional dentro del campus de la Universidad de Ulm. La HfG fue una de las más progresistas instituciones de enseñanza del diseño y el diseño ambiental en las décadas de los 50s y 60s, pionera en los estudios y del perfil profesional del diseñador de hoy en día.
La historia de la HfG se formó por medio de la innovación y el cambio, en consonancia con la propia imagen de sí misma de escuela como una institución experimental. Esto dio lugar a innumerables modificaciones en el contenido, la organización de las clases y a los continuos conflictos internos que influyeron en la decisión final del cierre de la HfG en 1968.1
Los años de posguerra, entre 1945 y 1952 en Alemania Occidental estuvieron caracterizados por fuertes planes de reestructuración y financiamiento, como el Plan Marshall.
Los orígenes de la HfG se remontan a una iniciativa por parte de la «Fundación Hermanos Scholl». La fundación fue creada en 1950 por Inge y Grete Scholl en memoria de sus hermanos Sophie y Hans Scholl, miembros del grupo de resistencia «Rosa Blanca», ejecutados en 1943 por el régimen Nazi.
En 1946 Inge Scholl, junto con Otl Aicher y un grupo de jóvenes intelectuales plantean crear una institución de enseñanza e investigación que vinculara la actividad creativa con la vida cotidiana y que tuviera como objetivo, colaborar en la reconstrucción cultural de una sociedad moralmente destruida por el nazismo y la segunda guerra mundial. El proyecto se financió gracias al aporte de un millón de Marcos por parte de John McCloy, que Scholl consiguió para la fundación a través de los contactos que poseía con Max Bill, Walter Gropius y los Estados Unidos; además recibió el apoyo financiero por parte del Gobierno Federal, Local, de contribuciones privadas y de las industrias.
Reloj diseñado por Max Bill durante su paso por la HfG.
El 1 de abril de 1953, comenzó a funcionar la nueva institución universitaria con Max Bill, ex alumno de la Bauhaus, como rector. El 3 de agosto de ese mismo año, comenzó a funcionar en el edificio de la escuela secundaria pública de Ulm con un cuerpo docente integrado por Hans Gugelot, Otl Aicher, Tomás Maldonado, Friedrich Vordemberge-Gildewart y Walter Zeischegg.2 Entre los profesores se encontraban Walter Peterhans, Johannes Itten, y Helene Nonné-Schmidt.
La enseñanza estaba basada en un plan de estudios de cuatro años. El primer año estaba dedicado al curso básico y luego se elegía una especialidad entre diseño de producto, comunicación visual, construcción, información (que duró hasta 1962) y cinematografía, que hasta 1961 perteneció al departamento de comunicación visual y desde 1962 se independizó.
Vehículo diseñado por Klaus Krippendorff para el proyecto final de graduación de Diseño de Producto.
El plan de estudios duraba 4 años. El primero de los años estaba dedicado al curso básico (Vorkurs) que estaba destinado a compensar el déficit de la enseñanza primaria y secundaria en cuanto a las actividades proyectuales y la creatividad.
Los 2 años siguientes se destinaban a la especialización electiva: Diseño industrial (Produktform y más tarde Produktgestaltung), Industrialización constructiva (llamada Architektur al principio), Comunicación visual e Información, y más tarde se agregó Cinematografía.
El último año estaba destinado a la tesis de grado. El plan estaba sujeto a las investigaciones que se hacían en cuanto a las nuevas aproximaciones al diseño y que luego eran puestas en práctica en cada departamento de las especialidades. El plan contenía materias de carácter científico: Análisis matemático, análisis vectorial, análisis de matrices, programación lineal, topología, cibernética, teoría de los algoritmos, antropología, psicología experimental
Tocadiscos Braun SK5 diseñado por Hans Gugelot en colaboración con Dieter Rams.
Construcción
En el campo de la arquitectura se presto atención fundamentalmente a la construcción prefabricada. Se pretendía la creación de barriadas de viviendas económicas para gran parte de la población.
Cinematografía
Sus estudios consistían en el desarrollo de nuevas formas experimentales de cinematografía. En 1967 el departamento se independizó con el nombre de Instituto de Realización Cinematográfica.
Información
Su objetivo era la preparación de expertos para los nuevos campos profesionales creados en trono a la prensa, cinematografía, radio y televisión.
Diseño de Producto
Se centraba en el desarrollo y el diseño de productos industriales fabricados a gran escala y susceptibles de ser introducidos en la vida cotidiana. Lo artesanal y artístico se convirtió en un tabu. Tampoco los objetos de prestigio y de lujo podían estar en este departamento.
Comunicación Visual
Se enfocaba en los problemas de la comunicación de masas. La tipografía, la fotografía, el diseño de la publicidad, entre otros constituían los proyectos de este departamento.
Diseño aleman 1950-1990
Ninguna otra empresa ha tenido mas influencia en el desarrollo del diseño en Alemania que la Brown.
Max Brown muere en 1951, sus hijos Erwin y Arthur tomaron el cargo de su empresa.
En 1954 Erwin y un egresado de la ULM crearon una nueva línea de aparatos.
1955 Dieter Rams empezó a trabajar en la empresa como arquitecto e interiorista.
1956 acepto ya los cargos como diseñador de productos.
Características principales de Brown
-Elevada utilidad de producto.
-Satisfacción de los requisitos ergonómicos y fisiológicos.
-Buen funcionamiento de los diversos productos.
-Diseño esmerado hasta en los detalles mas pequeños.
-Diseño armónico con medios simples y reducidos.
-Diseño inteligente.
El buen diseño
Herbert Lindinger (1983) ha reunidio el credo del buen diseño industrial en 10 mandamientos
El art déco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de los años 50 en algunos países) que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía.
En el art deco nacen lo que se los conoce como Tiendas departamentales como BOM MARCHÉ en Paris y MACY’S ubicada en Nueva York – Las compras se vuelven una actividad de ocio y placer.
Para la sociedad el nacimiento del Art Deco fue Una transición del siglo marcado por la
Era de los espectáculos
Belle époque – fin del siglo xix y la 1ªguerra mundial.
Henri de Toulouse Lautrec el pintor frances produce carteles sobre los artistas de las casas nocturnas parisienses.
En lugar de lineas dinámicas, inquietas busca una armonía con simplicidad linear.
Se valoriza en los acabados el equilibrio, sobre los coloridos alegres.
Surgen nuevos recursos para la iluminación.
Se procura adaptar al diseño y confort (muebles estofados amplios con curvas llenas; las cortinas leves o pesadas caen en elegantes drapeados).
Entre calamientos geométricos abstractos.
Formas muy estilizadas de la naturaleza.
La figura femenina muy presente longilínea y con vestidos drapeados.
Por la completa renovación de valores estéticos y vivenciales.
Esos valores se afirmaron durante la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales de Paris en 1925.
Combatir la exuberancia naturalista del Art Nouveau.
Conclusiones
Me recuerda mucho a la serie de BATMAN de los 90’s
En 1919, despues de que termina la guerra, el gobiero de Weimar, le asigna al arquitecto Walter Gropius la direccion de la “Escuela Granducal Sajona de Artes Plasticas”, esta escuela formaba pintores y escultores desde un punto de vista academico, asi como tambien estaba acargo de la direccion de la “Escuela Granducal Sjona de Artes y Oficios”, fundada en 1906 por Henry van de Valde, quien la dirigio , hasta que a causa del acoso al que fue sometido durante la guerra por ser extrangero, abandon a Weimer en 1917: con esto buscava una renovacion en el campo del arte, habia sido cerrada y practicamente no tenia existencia legal. Gropius unia las 2 escuelas y funda la Bauhaus estatal de Weimar (Staatliches Bauhaus).
El manifiesto fundacional, que fue escrito por Gropius, tenía en su portada la xilografía de Lyonel Feininger (1871-1956), «Catedral»; una catedral gótica sobre un firmamento irradiante, con tres estrellas que simbolizan los pilares de las artes plásticas: arquitectura, escultura y pintura. En el texto leemos, entre otras cosas: el texto dice :«Todos nosotros, arquitectos, escultores, pintores, tenemos que volver al artesanado. Porque no existe «el arte como profesión». No existe diferencia substancial entre artista y artesano. El artista es un artesano potenciado. Tiene que existir una base de capacidad técnica y artesanal en cada artista.
Portada Lyonel Feininger (1871-1956), «Catedral»
La búsqueda de la síntesis arte-industria en la Deutsche Werkbund.
En sus orígenes la Bauhaus estaba impregnada del espíritu y los principios del movimiento «Arts and Crafts», que planteaba la recuperación de la artesanía medieval.
lo artesanal y las ideas sociales del gremio entre otras estaban en contradicción con los planteos progresistas de Gropius antes de la guerra, pero las condiciones económicas y sociales de la posguerra en Weimer explican este cambio de actitud.
Alemania no ofrecía perspectivas al estudio de las artes, hizo que Gropius planteara una información artesanal, y el modelo que elige es el de las cofradías medievales(se trata de congregaciones cristianas de devotos laicos con fines asistenciales)
También cabe destacar la valorización eminentemente pedagógica de la artesanía en el pensamiento de Gropius, que consideraba que era la forma principal de trabajo práctico y aprendizaje profesional.
En sus principios la Bauhaus realmente no fue otra cosa que una escuela de artes y oficios más o menos modernizada.
La Bauhaus intenta formar en estos talleres un tipo nuevo, aún no existente, de colaboradores para la industria y la artesanía que dominen tecnología y forma en igual medida».
Este nuevo tipo de colaborador para la industria y la artesanía se llama hoy diseñador, más precisamente, diseñador industrial.
En 1919 aún se habla en forma entusiasta de la obra artística integral y de la hegemonía de la arquitectura.
Si hoy quisiéramos imaginar cuáles fueron los objetivos y la propuesta concreta de la Bauhaus, podríamos generalizar diciendo que eran: suprimir las barreras entre el arte, la artesanía y la industria y poner en común estas actividades al servicio de la construcción del futuro.
Reforma educativa en Alemania.
Todos los estudiantes debían aprender un oficio
Todas las clases de arte debían estar basadas en la artesanía.
Los estudiantes no podían especializarse, por lo tanto las escuelas ofrecían todas las materias que podían.
El hecho de haber perdido la guerra, la extinción de la vida intelectual y artística, la falta de grandes industrias en WEIMAR
1956
La bauhaus buscaba formar artistas para crear objetos en la industria. Su programa se enfocaba en conocer la función del los objetos producidos en serie.
La carrera duraba 3 años y medio. Los primeros 6 meses era un curso preliminar (Vorkurs) el cual enseño Johannes Itten y después era el estudio de la forma y los talleres.
Las materias eran:
a.- Escultor, cantero, ceramista, escultor madera, etc.
b.- Forjador, fundidor, tornero, etc.
c.- Acuafortista, xilógrafo, litógrafo, impresor
d.- Pintor sobre vidrio, decorador, etc.
f.- tejedor.
(obra acuafortista)
Calificaban doble, era una enseñanza de teoría y practica. Los artistas eran maestros de la forma y los maestros del taller eran artesanos.
Tomas Maldonado dijo:
El estudiante tiene que tener un conocimiento intelectual y emocional.
Esto se logra a través de ‘’ el arte, la acción y el trabajo’’, estas son las constantes en la bauhaus.
Modelo HFG (Escuela de la forma)
Tras la renuncia de Itten la bauhaus se re-oriento.
Oskar Shlemmer escribió: ‘’la idea de la catedral se dejo atrás, ahora la bauhaus debe apoyarse en la simplicidad.
Se comenzó a crear prototipos para la industria. Se cambio el arte y la artesanía por arte y técnica.
Laszlo Moholy Nagy fue el sucesor de Itten dando el taller de metal. El enseña los principios científicos básicos y se dedico a diseñar prototipos para la industria.
(laszlo)
Después la escuela se cambio a Dessau donde la escuela se hizo escuela superior y enseñaban la realización de prototipos y abandono todo lo relacionado al artesano.
(dessau)
Se agrego la imprenta a los talleres y con esto el estudio de la tipografía, Además Marcel Breuer pasa de los muebles de madera al acero. Y Josef Albers comienza a enseñar como diseñar con lo menos posible de elementos, el máximo ahorro del material y la creación de objetos en poco tiempo.
(silla marcel breuer)
WEIMAR
En 1919, después de la guerra, el gobierno de Weimar le enconmienda al arquitecto Walter Gropius la dirección de la Escuela Ganducal Sajona de Artes Plásticas y la Escuela Granducal Sajona de Artes y Oficios, fundada por Henry van de Velde en 1906. Gropius unifica las dos escuelas y funda la Bauhaus.
En el manifiesto fundacional podemos leer:
Todos nosotros, arquitectos, escultores, pintores, tenemos que volver al artesanado. Porque no existe el arte como profesión. No existe diferencia substancial entre artista y artesano. el artista es un artesano potenciado. En los raros momentos de luz que transcienden la voluntas del individuo, la gracia del cielo hace florecer inconscientemente el arte de su mano; pero tiene que existir una base de capacidad técnica y artesanal en cada artista. Aquí se encuentra el origen de la capacidad creadora. Formemos pues una nueva coportación artesanal sin esa división de clases que pretendia erigir un muro arrogante entre artista y artesanos. nosotros, juntos tenemos que desear, pensar y crear la nueva construcción del futuro, que será una en su estructura: arquitectura, escultura y pintura, creada por millares de manos de artesanos, ascenderan hacia el cielo como símbolo cristalino de una nueva e inminente fe.
El vorkurs de Johannes Itten
Fue conocido por ser el Curso Preliminar de la Bauhaus. Duraba 6 meses, su primer titular fue Johannes Itten quien se basaba en el conocimiento de los colores y los materiales. El Curso Preliminar era una plataforma de una educación integral y no como una preparación para futuras actividades como arquitecto o diseñador.
DESSAU
En 1925 se instala la Bauhaus en dessau gracias al intendente social demócrata, a partir de aquí la bauhaus pasa de ser una institución estatal, a comunal. La Bauhaus pasó a ser oficialmente una Escuela Superior de Proyectacion y sus actividades se bifurcaron en enseñanzas de producción
Nuevo Vorkus
Laszlo Moholy remplazó a Itten para impartir el Curso Preliminar y este se convierte en la verdadera base de los estudios superiores.
BERLIN
El intento de recuperación de Mies Van Der Rohe
En 1930 Gropius es acusado de politizar la escuela y es dado de baja. Se hace cargo de la conducción de la escuela Mies Van Der Rohe
El trata de continuar con la Bauhaus esta vez en Berlin como establecimiento privado. Los únicos docentes que quedaron eran Kandinsky y Albers
Estructura pedagógica
La Bauhaus declara en un texto publicado de 1926 que intenta formar en los talleres un tipo nuevo, aun no existente de colaboradores para la industria y la artesana que dominen la tecnología y forma en igual medida, ahora a ese colaborador lo conocemos como diseñador industrial. Entre los talleres más importantes estaba el de Ebanisteria, metal, de encuadernación, teatro, y de vidrio.
La Bauhaus se caracterizaba sobre todo por los métodos didácticos que tenían una duración de tres años y medio.
La casa Sommerfeld
El contratista Adolf Sommerfeld había encargado a Gropius una casa de madera de teca, pues quería provechar de este modo los restos de un barco de guerra naufragado.
En su desarrollo participaron todas las areas de trabajo que formaban parte de la escuela, Joost Schmidt en las tallas de las escaleras, la puerta de entrada, Marcel Breuer diseño los sillones , contrastes de ritmo forma y dirección, y Josef Albers realiza la coloria ventana de vidrio para la caja escalera.
Desgraciadamente la casa Sommerfeld fue destruida durante la 2 guerra mundial.
La exposición de 1923 la casa am horn
Esta exposición fue de suma importancia porque dio a conocer la Bauhaus a la prensa alemana, la casa modelo, una de las exposiciones mas importantes demostraba el modelo de vivienda que proponía la escuela: máximo confort con la mayor economía por la aplicación de los mejores artesanos y mejora de la distribución espacial de forma tamaño y articulación
Constructivista se refiera a las obras de arte abstracto que buscan representar objetos reconocibles, hechas a base de un rigor geométrico. Este arte era creado para ser construido
Revolución rusa 1917 (revolución de octubre)
Rusia entro en pobreza extrema y era gobernada por los zares. No fue hasta en 1917 que la revolución de octubre comenzó debido al descontento de las masas y las constantes derrotas de Rusia en la primera guerra mundial.
Los mujics (obreros y campesinos pobres) estaban desacuerdo con los bolcheviques (seguidores de Lenin).
El 25 de octubre los bolcheviques toman el palacio de invierno, lugar donde vivía el zar.
Proyecto de la nueva sociedad
En 1918 poco después de la revolución, Lenin comenzó con la ‘’propaganda monumental’’, que era levantar monumentos conmemorativos a la revolución y demoler aquellos hechos en honor a los zares y sus sirvientes.
La lista de monumentos eran entre 20 y 70 obras revolucionarias, filosóficas, de literatura, las ciencias y el arte.
Durante todo el siglo XIX se continuo construyendo monumentos, pues se veía a estas esculturas como un instrumento pasa celebrar a héroes y sucesos significativos del pasado. Maurice Agulhon bautizo este fenómeno como ‘’estatuomania’’, referente a la obsesión de representar a la nación en imágenes y erigir estas en espacios públicos para que las masas vieran la historia del estado mientras caminan por la ciudad. Buck Morss afirma que con estos monumentos la revolución seria algo cotidiano y ayudaría a configurar la nueva sociedad.
Olga Rozanova y su función en el IZO.
Luego del establecimiento de un Estado socialista se crearon con celeridad una serie de organismos oficiales para la cultura. Entre ellos, el Departamento de Bellas Artes (IZO) con dependencias en San Petersburgo y Moscú. Fue en esta última sede donde se nucleó un conjunto de artistas más homogéneo y vanguardista.
Además de ser administradores, los artistas del Departamento tenían a su cargo las decoraciones callejeras para las celebraciones de las nuevas fiestas revolucionarias que combinaban pintura, escultura, música y teatro. Jugaron un papel central en la reorganización de la cultura por parte del Estado.
Los bolcheviques les dieron independencia en la gestión de los organismos culturales. Pero la tarea de poner en marcha un programa integral fue obstaculizada por la guerra civil en 1918 y 1921.
La vanguardia.
Vanguardia rusa es un término usado para definir la enorme e influyente oleada de arte moderno que emergió en Rusia (o de manera más exacta, el Imperio Ruso y la Unión Soviética) aproximadamente entre 1890 y 1930. El término cubre muchos movimientos artísticos coetáneos, independientes pero intensamente relacionados como el Neo-primitivismo, el Suprematismo, el Constructivismo y el Futurismo. Ya que muchos de estos artistas de vanguardia nacieron en lo que es hoy día Bielorrusia y Ucrania (como Kazimir Malévich, Aleksandra Ekster, Vladímir Tatlin, Wassily Kandinsky, David Burliuk, Oleksandr Arjípenko), algunas fuentes también la llaman Vanguardia ucraniana.
La Vanguardia rusa alcanza su climax creativo y de popularidad en el periodo comprendido entre la Revolución rusa de 1917 y 1932, momento en el que las ideas de esta vanguardia chocan con las que el nuevo estado patrocinaba, el Realismo socialista.
Es muy fecunda la producción de las vanguardias artísticas durante las primeras décadas del siglo XX, y por lo demás resulta indisociable del impulso programático que en paralelo llevaron adelante teóricos y pensadores. De hecho este debate primario en la Unión Soviética –que a la postre se identificará como una disputa entreestructura e historia (o sincronía y diacronía, en términos más técnicos) – enriquecerá a lo largo del siglo XX la atmósfera cultural y marcará a fuego las ciencias humanas. Acaso pensar la literatura posterior sin dar cuenta de estos aportes teóricos sería una tarea imposible, o al menos infructuosa. Como los grandes novelistas del período, los teóricos han alimentado con sus análisis y propuestas buena parte de la historia literaria que los sobrevivió.
El OBMOKHU (Unión de Artistas Jóvenes).
Tatlin contribuyó a que la estética pasara a ser considerada en la década de 1920 como “trabajo de laboratorio”, esto se refería a experimentar con materiales y formas, no se le consideraba arte pero era un buen ejercicio de constricción, estos ejercicios podían ser aplicados a objetos y en la producción de bienes.
Entre fines de la década de 1910 y comienzos de la siguiente, Rodchenko desarrolló esculturas a partir de figuras geométricas concéntricas (círculos, cuadrados o elipses) recortadas de la misma plancha y desplegadas en el espacio.
Con algunas de estas piezas, en 1921 participó en la exposición de “trabajos de laboratorio” de la Sociedad de Artistas Jóvenes (OBMOKhU).
El proceso según el cual los constructivistas se constituyen en corriente estructurada se inicia en Moscú en 1921 con la exposición 5 x 5 = 25 organizada por Alexander Rodchenko, Alexander Vesnin, Alexandra Exter, Liubov Popova y Varvara Stepanova, quienes crean a continuación el “primer grupo de trabajo de los constructivistas” en el seno del Instituto de la cultura artística (INCHUK). El grupo presenta en mayo de 1921, con motivo de la exposición de la Unión de jóvenes artistas (ObMoKhu), las construcciones tridimensionales de Rodchenko, Karl Ioganson, Constantin Medunetsky y los hermanos Stenberg, herederas directas de los contrarrelieves de Vladimir Tatlin.
Alexandre Rodchenko y las Construcciones Espaciales / Varvara
La trayectoria de Alexander Rodchenko (1891-1956) es un ejemplo de lo anterior. Antes de 1917, había entrado en el círculo de la vanguardia moscovita y había seguido los pasos de Tatlin en el ensayo con construcciones tridimensionales abstractas de materiales diversos, a las que consideraba obras de arte acabadas. Entre fines de la década de 1910 y comienzos de la siguiente, Rodchenko desarrolló esculturas a partir de figuras geométricas concéntricas (círculos, cuadrados o elipses) recortadas de la misma plancha y desplegadas en el espacio.
Para Rodchenko, la idea de composición se vinculaba a la cuestión del gusto. Desde su punto de vista, los principios de la composición debían ser sustituidos por los de la construcción, unos principios basados en la tecnología y la ingeniería.
«construcción» se entendía como la organización de elementos materiales buscando la optimización de su uso y la eliminación de todo elemento innecesario o decorativo.
Alexander Rodchenko (1891-1956) fue una de las principales figuras de la vanguardia rusa del siglo XX y uno de sus artistas más complejos y polifacéticos. Explorador en pintura de un arte ‘sin-objeto’, a la cabeza del constructivismo en la Rusia post-revolucionaria y pionero de la fotografía soviética, Rodchenko renunció pronto a un arte ‘puro’ en beneficio de la creación de un lenguaje visual al servicio de la sociedad.
Además, extendió las fronteras de todos los medios con que siempre trabajó bajo el lema “nuestro deber es experimentar”.
Kandinsky y el INKHUK.
Varios artistas de vanguardia dejaron la URSS y continuaron su trabajo en algunas ciudades europeas. El impacto del constructivismo ruso en Alemania es el que más nos interesa señalar aquí. Los mencionados Gabo y Pevsner pero también Vassily Kandinsky y El Lissitzky se integraron a la actividad de la escuela de arte, arquitectura y diseño Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) fundada en 1919 y cerrada por el régimen nazi en 1933. Por su parte, los constructivistas que continuaron su tarea en la URSS acompañaron esa nueva etapa aunque los lineamientos estéticos del Partido no cuadraban con los propios. Así lo muestra el cartel publicitario para el Sindicado del Caucho realizado por Rodchenko en colaboración con el dramaturgo Vladimir Maiaacovski.
Rodchenko también tuvo un rol administrativo central en el Instituto de Cultura Artística (INKHUK), creado en 1920, y animó las discusiones sobre el papel del arte y del artista que tuvieron lugar en este Instituto. La identificación del lenguaje formal y la obra material con las tareas revolucionarias de propaganda, con la creación del nuevo entorno comunista y con la producción de la industria condensaron la figura del «artista-constructor» y del «artista-ingeniero». Fue precisamente en el contexto de estos debates que en 1921 Rodchenko creó el Primer grupo de constructivistas en acción, junto con Varvara Stepanova, Konstantin Medunetski, Georgy Stenberg y Vladimir Stenberg, entre otros. El grupo afirmaba, en su manifiesto, que era tiempo de “entrar en la fábrica, donde se hace el cuerpo real de la vida”
Dentro de la Facultad Industrial, el Departamento de Metalurgia y Madera estaba a cargo de Rodchenko, y el Departamento de Textiles, de Varvara Stepanova
Stepanova /Lyubov Popova / Petr Miturich.
Desde fines de 1923, tanto Varvara Stepanova como Lyubov Popova, dos mujeres que tuvieron un papel fundamental en la elaboración de los principios constructivistas, realizaron diseños de telas para la Primera fábrica estatal de estampado textil, y también vestimenta y vestuario teatral para puestas oficiales. Aquellos se basaban en secuencias seriales de figuras geométricas y colores; configuraciones no lejanas a las ensayadas en sus cuadros de caballete, antes de abandonar la pintura.
Los trajes de Popova para los personajes femeninos casi no se distinguían de la “ropa de producción” masculina, vestimenta de trabajo en la línea del overol. Sus diseños andróginos eran una suerte de ícono de la nueva mujer soviética emancipada, que dejaba atrás los signos de la apariencia femenina burguesa.
Popova y Stepanova no se limitaron al diseño de telas, ropa y vestuario. También realizaron carteles de propaganda y producciones gráficas que se diseminaron en libros, periódicos y publicidades. Durante la segunda mitad de la década de 1920, estas fueron actividades centrales para los constructivistas. Desde la Sección de Propaganda de Debate del Comité Central del Partido Comunista (Agitprop) se concebía la propaganda como un proceso educativo permanente para promover la construcción de una sociedad comunista
Si en 1921 la Nueva Política Económica (NEP) favoreció la recuperación de la producción industrial, en 1922 tuvo lugar la discusión entre constructivistas y productivistas en el seno del Instituto. Estos últimos eran más radicales en cuanto a la inserción del “artista-ingeniero” en la tarea diaria de la fábrica. La realización de este ideal, o sea, la intervención de un artista muy cualificado en la producción industrial, fue impulsada por los Talleres superiores artísticos y técnicos del Estado (VKHUTEMAS), donde se enseñaron los principios formales, ideológicos y técnicos del constructivismo. Poco después, a partir de 1923 se consolidaron la tendencia productivista y la enseñanza de clara inserción industrial. Dentro de la Facultad Industrial, el Departamento de Metalurgia y Madera estaba a cargo de Rodchenko, y el Departamento de Textiles, de Varvara Stepanova.
Otros vanguardistas como Gustav Klutsis o Eleazar Lissitzky.
En el contexto del auge de la comunicación de masas (la radio y el cine recibieron un gran envión en la década de 1920) y en consonancia con la necesidad de un control ideológico ligado al nuevo plan económico (NEP), la representación realista recibió un impulso oficial renovado. Desde este punto de vista, debía practicarse un realismo heroico y didáctico para representar la Revolución y sus héroes, pero también a obreros y campesinos en tanto pueblo.
En este contexto, varios artistas de vanguardia dejaron la URSS y continuaron su trabajo en algunas ciudades europeas. El impacto del constructivismo ruso en Alemania es el que más nos interesa señalar aquí. Los mencionados Gabo y Pevsner pero también Vassily Kandinsky y El Lissitzky se integraron a la actividad de la escuela de arte, arquitectura y diseño Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) fundada en 1919 y cerrada por el régimen nazi en 1933. Por su parte, los constructivistas que continuaron su tarea en la URSS acompañaron esa nueva etapa aunque los lineamientos estéticos del Partido no cuadraban con los propios
Gustav Klutsis (o Klucis) fue uno de los mejores artistas salidos de la VKhUTEMAS, la escuela de arte del estado, de la que fue maestro hasta su clausura en 1930. A pesar de ser un admirador de Stalin y ser miembro del partido comunista, Klutsis fue arrestado poco antes de salir rumbo a la feria mundial de Nueva York, en 1938, y ejecutado seis semanas después. No se supo de la suerte que corrió sino hasta 1989. Fue un gran artista experimental, escultor, creador de piezas multimedia y, sobretodo, un magnífico fotomontajista. Sus fotomontajes, en los que se incluía con su esposa, la también artista Valentina Kulagina, constituyen el mejor ejemplo de la otra revolución, la revolución en las artes visuales, que el burdo estalinismo no pudo tolerar, a pesar de lograr su sometimiento a los cánones del culto a la personalidad. Existe un revelador documental sobre Klutsis y su esposa, de Peteris Krilovs, Klutsis, deconstrucción de un artista.
El Lissitzky fue uno de los principales protagonistas de la abstracción rusa. Llegó al arte abstracto bajo la influencia de las ideas suprematistas de Malévich, aunque pronto las abandonó por considerarlas excesivamente místicas. Creció en Vitebsk, en un ambiente profundamente marcado por la religión judía. Dotado para el arte, realizó el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, pero fue rechazado por ser judío. Su familia le envío entonces a estudiar ingeniería y arquitectura a Darmstadt, en Alemania. Al estallar la Primera Guerra Mundial regresó a su país, donde en 1915 terminó sus estudios. Se relacionó con grupos artísticos renovadores, por ejemplo con la Sota de Diamantes, y comenzó a dedicarse a la ilustración de temas judíos, como Khad Gadya. En 1919Marc Chagall le invitó a ser profesor de arquitectura y artes aplicadas en la Escuela de Arte de Vitebsk, de la que era director. Allí coincidió con Malévich, cuyas composiciones suprematistas fueron fundamentales en la evolución de su arte hacia la abstracción. Su afán por integrar la pintura y la arquitectura le llevó, hacia 1919, a crear sus primeros Prouns, unas obras que constituyeron su aportación principal al mundo del arte. Son composiciones de tipo geométrico con acusados efectos espaciales y arquitectónicos en los que el artista anuló todas las leyes tradicionales de la perspectiva. En 1921 se trasladó a Moscú a trabajar en los Talleres Superiores Artístico- Técnicos (Vjutemas), donde por aquel entonces estaba emergiendo el constructivismo. Pronto Lissitzky se convirtió en la figura puente entre los movimientos suprematista y constructivista en Rusia, y entre éstos y los demás movimientos de vanguardia europeos.
Lissitzky desarrolló también una importante actividad en el campo de la arquitectura y del diseño gráfico, con un incesante deseo de integrar el arte en la vida doméstica. Asimismo se le considera una figura fundamental en el diseño de espacios expositivos, entre los que destacan la sala de arte constructivo realizada para la Internationale Kunstausstellung de 1926 y el Abstraktes Kabinett del Provinzialmuseum (hoy Sprengel Museum) de Hannover de 1927. Su iconoclastia beligerante le convirtió en uno de los pioneros en la búsqueda de un nuevo lenguaje que sirviera a las necesidades de la nueva era.
Valdimir Tatlin y el monumento de la tercera internacional.
1920 propuso su Monumento a la Tercera Internacional en respuesta a un encargo oficial. Con este proyecto, Tatlin pretendía enmendar la demora de la construcción de las esculturas conmemorativas propuestas en el plan de Lenin y, sobre todo, erigir un monumento que también fuera inaugural en términos formales.
Como director del IZO de Moscú, insistía en el carácter libre que debían tener los monumentos del Estado socialista. Desde su punto de vista, la configuración de una sociedad nueva requería representaciones renovadas de sí misma
Para difundir la idea de dinamismo, que Tatlin veía como inherente tanto a esa nueva sociedad como al desarrollo tecnológico, el monumento debía encarnar ese movimiento en vez de representarlo. En consecuencia, basó este proyecto en formas tales como la espiral y la diagonal, ambas de gran dinamismo visual, e incorporó materiales modernos y técnicas de ingeniería avanzadas.
Vladimir Tatlin plantea el constructivismo y Alexander Rodchenco el no-objetivismo, que tiene en común el deseo de abandonar todo y partir de cero para construir una nueva realidad. Tatlin, discípulo de Larionov, había estado en parís en 1913 donde vio los collges de Picasso y Braque y comienza a trabajar en contra relieves, que son ls primeras manifestaciones del constructivismo.
A diferencia de los collages cubistas, se prescindía de toda temática figurativa y se buscaban nuevas formas expresivas.
Estos contra relieves fueron el paso previo que llevo a Tatlin a proyectar su celebre Torre, homenaje a la tercera Internacional . Esta torre era monumento a la revolución rusa y tatlin decía: El monumento moderno debe reflejar la vida social de la ciudad, mas aun, la propia ciudad debe vivir en el. por eso, las obras plásticas de la revolución deben brotar del espíritu del colectivismo».
Tatlin decía: Estos recintos están colocados verticalmente uno encima de otro y rodeados de varias armaduras que armonizan entre si. Gracias a un mecanismo especial, se mantienen siempre en movimiento, pero a distinta velocidad. El mas bajo tiene la forma de las funciones legislativas y en el tendrán lugar las conferencias de la Internacional, las sesiones de los congresos y las asambleas. El recinto medio tiene forma piramidal y gira sobre si mismo en un mes, en el se reunirán los órganos administrativos y ejecutivos. El recinto superior cilíndrico gira sobre si mismo una vez al día, esta destinado a la información y propaganda, a centro de noticias a los periódicos a la difusión de los manifiestos, en el se instalaran el telégrafo, la radio y un aparato para proyecciones cinematográficas.
fue creada en 1920 que significa Talleres Estatales de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica con el objetivo de formar artistas plásticos altamente cualificados
Esta inserto en las reformas de la educación artística que tuvieron lugar en Rusia como consecuencia de la Revolución de Octubre de 1917
En la Rusia prerrevolucionaria el cubismo y la abstracción geometría tenían un fuerte desarrollo.
1913 Michel Larionov plantea el Manifiesto del Rayonismo en el cual reclama la presencia de una cuarta dimensión: la luz.
El rayonsmo esta ligado a las propuestas de Filippo T. Marinetti, adalid del futurismo, que en 1909 había publicado en parís Manifiesto del futurismo. Planteaba un arte anticresista orientado al futuro y decía: «Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, con la belleza de la velocidad»
1915 Kasimir Malevch publica el Manifiesto del suprematismo en colaboración con Laronov, el poeta Vladmir Maiakovsky y otros escritores entendido como supremacía de la sensibilidad pura en el arte. Este manifiesto propone la liberación de la determinación sensorias, es decir de la experiencia objetiva; la pintura suprematista de Malevich se declara contra toda deformacion del espacio ilimitado que, libre de toda dimensionalidad y mensurabilidad, debe representar la substancia absoluta = el espíritu puro.
Malevch fue el primero que atreves del cubismo se alejo de la pintura figurativa y hablo de «el mundo sin objetos; su planteo es clave en la historia del arte occidental y su influencia en el neoplasticismo holandés como en el constructivismo ruso es fundamental.
Petr Miturich.
Nacido el 2 de octubre (14) de 1887, en San Petersburgo, y murió el 27 de octubre 1956, en Moscú. Artista gráfico soviético.
Miturich estudió con NS Samokish en la Academia de Artes de San Petersburgo desde 1909 hasta 1915. Se incorporó al mundo del grupo de Arte en 1915 y fue miembro de la asociación Cuatro Artes 1925-1929. Enseñó en la VkhutemasVkhutein Moscow (Estados Superior de Arte y Técnica Arte Studios-Superior y el Instituto Técnico) 1923-1930.
Su arte se desarrolló bajo la influencia de artistas de vanguardia, poetas y músicos, pero Miturich nunca había rechazado base tradicional de la pintura. El artista era sorprendentemente poco receptivo a clichés estilísticos del arte en 1910-1920. Se concentró en la búsqueda de su propio lenguaje artístico.
Los diferentes talleres: Escultura / Pintura / Gráfica / Textil / Cerámica / Metfak / Lavinsky y el Derfak.
Desde fines de 1923, tanto Varvara Stepanova como Lyubov Popova, dos mujeres que tuvieron un papel fundamental en la elaboración de los principios constructivistas, realizaron diseños de telas para la Primera fábrica estatal de estampado textil, y también vestimenta y vestuario teatral para puestas oficiales. Aquellos se basaban en secuencias seriales de figuras geométricas y colores; configuraciones no lejanas a las ensayadas en sus cuadros de caballete, antes de abandonar la pintura.
Tal como explica Christina Kiaer, varios factores propiciaron una participación inédita de mujeres artistas en el mundo cultural soviético de los años 20. Por un lado, la campaña bolchevique para la emancipación de la mujer bajo el socialismo la presentaba como una trabajadora a la par del varón. Pero también contribuyeron algunas de las premisas del constructivismo: el rechazo tanto de las nociones convencionales del genio artístico (asociadas a la masculinidad) como de la jerarquía de las bellas artes sobre las artes aplicadas (estas últimas asociadas con la actividad femenina). Este igualitarismo inédito tuvo su paralelo en una representación de la mujer de apariencia indiferenciada.
Los trajes de Popova para los personajes femeninos casi no se distinguían de la “ropa de producción” masculina, vestimenta de trabajo en la línea del overol. Sus diseños andróginos eran una suerte de ícono de la nueva mujer soviética emancipada, que dejaba atrás los signos de la apariencia femenina burguesa.
Popova y Stepanova no se limitaron al diseño de telas, ropa y vestuario. También realizaron carteles de propaganda y producciones gráficas que se diseminaron en libros, periódicos y publicidades. Durante la segunda mitad de la década de 1920, estas fueron actividades centrales para los constructivistas. Desde la Sección de Propaganda de Debate del Comité Central del Partido Comunista (Agitprop) se concebía la propaganda como un proceso educativo permanente para promover la construcción de una sociedad comunista. En el contexto del auge de la comunicación de masas (la radio y el cine recibieron un gran envión en la década de 1920) y en consonancia con la necesidad de un control ideológico ligado al nuevo plan económico (NEP), la representación realista recibió un impulso oficial renovado. Desde este punto de vista, debía practicarse un realismo heroico y didáctico para representar la Revolución y sus héroes, pero también a obreros y campesinos en tanto pueblo.
En este contexto, varios artistas de vanguardia dejaron la URSS y continuaron su trabajo en algunas ciudades europeas. El impacto del constructivismo ruso en Alemania es el que más nos interesa señalar aquí. Los mencionados Gabo y Pevsner pero también Vassily Kandinsky y El Lissitzky se integraron a la actividad de la escuela de arte, arquitectura y diseño Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) fundada en 1919 y cerrada por el régimen nazi en 1933. Por su parte, los constructivistas que continuaron su tarea en la URSS acompañaron esa nueva etapa aunque los lineamientos estéticos del Partido no cuadraban con los propios. Así lo muestra el cartel publicitario para el Sindicado del Caucho realizado por Rodchenko en colaboración con el dramaturgo Vladimir Maiaacovski.
Un niño delineado mediante la combinación de figuras geométricas lleva en la boca una serie de chupetes. El texto en ruso dice “No hay ni ha habido nunca chupetes mejores. Querrá chuparlos hasta la vejez”. Bajo la consigna de no desdeñar los medios del enemigo, hacia mediados de los años 20 se utilizaron los principios de la publicidad comercial del capitalismo, con imágenes y eslóganes, para consolidar la nueva economía soviética.
El proceso de restricción cultural culminó en 1932 cuando, ya bajo el régimen estalinista, se disolvieron todas las formaciones artísticas que mencionamos y se fundó la Unión de Artistas, con injerencia sobre estilo y temas de las artes. Pero antes de que el realismo socialista fuera impuesto como única estética oficial, los constructivistas encontraron modos de crear formas alternativas de arte de agitación sin abandonar la práctica de la construcción.
En estos términos puede interpretarse el uso de la fotografía por parte de artistas como Rodchenko o Stepanova. Producciones visuales como este fotocollage de Varbara Stepanova eran imágenes figurativas que, mediadas por un dispositivo técnico, evitaban la pintura ilusionista
Mobiliario polifuncional.
CARACTERÍSTICAS DEL CONSTRUCTIVISMO
Para introducirnos mas a el entorno en el que se vivía en ese tiempo, y por lo tanto para comprender mejor el movimiento es importante destacar los siguientes puntos:
Movimiento que nace en Rusia, en medio de fuertes conflictos.
Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
En su elaboración se basan con materiales simples.
Los representantes no ven sus obras como arte.
Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.
Deja de ser una corriente de movimientos europeos.
La funcionalidad debía de ser aplicada porque se ,creía importante que el arte debía e ser algo para que la gente lo entendiera, y con diferentes tipos de utilidades para la sociedad; por lo que Tatlin hizo una fusión de diseños y sus construcciones, llegando a ser un diseñador poderoso, en donde sus productos llegaron a formar un nuevo orden estético.
El constructivismo, por tratarse de un movimiento en el que predominaba lo tridimensional, se destaca mucho lo que es la escultura, la arquitectura y el diseño industrial en si, en donde se recurria a la elaboración de los productos con materiales modernos, de donde utilizaron líneas puras para reforzar la naciente estética del funcionalismo
El grupo se dedicó al diseño de muebles e indumentaria, decorados teatrales y exposiciones.
Otros ejemplos constructivistas de interés.
El Radiorator de Klutsis.
Klutsis trabajaron en una variedad de medios experimentales. Le gustaba usar la propaganda como una imagen de fondo revolucionario signo o. Su primer proyecto de nota, en 1922, fue una serie de kioscos multimedia agitprop semi-portátiles para ser instalado en las calles de Moscú, la integración de «radio-oradores», pantallas de cine y pantallas de papel prensa, todo para celebrar el quinto aniversario de la Revolución. Al igual que otros constructivistas trabajó en escultura, instalaciones produce exposiciones, ilustraciones y efímeros.
Pero Klutsis y Kulagina son conocidos principalmente por sus montajes fotográficos. Los nombres de algunos de sus mejores carteles, como «La electrificación de todo el país» (1920), «No puede haber movimiento revolucionario sin una teoría revolucionaria» (1927) y «trabajadores de choque de campo en la lucha por la transformación socialista» (1932), son tan anticuado y sofocante [neutralidad disputada] ya que las imágenes son frescas, de gran alcance, ya veces inquietante. Para la economía que a menudo plantean para, y se insertaron en estas imágenes, disfrazados como trabajadores de choque o campesinos. Sus composiciones dinámicas, distorsiones de escala y el espacio, puntos de vista en ángulo y perspectivas chocan hacen perpetuamente moderna.
Klutsis es uno de los cuatro artistas con una pretensión de haber inventado el sub-género de la foto montaje político en 1918 (junto con los dadaístas alemanes Hannah Höch y Raoul Hausmann, y el ruso El Lissitzky).
La indumentaria de Popova-Stepanova y de Tatlin.
Popova y Stepánova sabían que su trabajo en la fábrica de propiedad estatal tenía que responder a este mercado de la moda aparecido con la NEP; cuando pidieron que la dirección de la fábrica les permitiese participar en la producción, también pidieron «contactar con sastres, talleres de diseño de moda y revistas », así como «trabajar en la promoción de los productos de la fábrica en prensa, publicidad y revistas… [y] en el diseño de escaparates».[16] La respuesta de Stepánova a la moda bajo la NEP fue de absoluto rechazo: sus conocidos diseños para ropa deportiva, por ejemplo, son lineales y andróginos, buscando en apariencia anticipar un futuro socialista de igualitarismo sexual y de clase. Sus prendas deportivas aparecieron ilustradas en Lef, donde las promocionó en su artículo «La ropa de hoy es la ropa de producción». «La moda», escribió, «que refleja psicológicamente nuestra vida cotidiana (byt), nuestros hábitos y gusto estético, está dando paso a la ropa organizada de acuerdo con las necesidades en varias ramas del trabajo.»[17] Popova, en contraste con lo anterior, dibujó diseños para docenas de vestidos de moda de mujer que incorporaban sus diseños textiles, en el intento de imaginar una forma de moda igualitaria.
El Cine y el Teatro como campos de ensayo para los nuevos diseños.
La Revolución Rusa vino acompañada de un extraordinario movimiento artístico experimental conocido como el constructivismo.
El constructivismo reivindica el cine, la fotografía, el teatro como medios que posibilitan la creación artística. El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos.
Los constructivistas pensaban que el artista tenía que utilizar los materiales, de manera científica y objetiva, así como un ingeniero, y que la producción de las obras de arte debían abstenerse a los mismos principios racionales que cualquier otro objeto manufacturado. Estos artistas buscaron la manera de mejorar la vida cotidiana a través del arte. Popova y Rodchenko fueron, dos figuras centrales en los todos los debates y discusiones que ayudaron, finalmente, a definir el constructivismo.
Liubov Popova (1889-1924), pintora rusa, uno de los miembros más significativos de las vanguardias artísticas. Diseño trajes y decorados para teatro, impartió clases en el Instituto de Cultura Artística de Inkhuk, centro de las teorías constructivistas.
Pabellones rusos: 1925 en París y 1930 en Dresde.
Konstantin Melnikov – Pabellón Soviético en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París (1925).
Arquitecto ruso nacido en una familia campesina en Moscú. A través de los esfuerzos de los ingenieros a quienes él fue puesto de aprendiz, asistió a la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura. Aunque inicialmente ingreso para estudiar pintura en 1905, en el año 1912 cambia al estudio de la arquitectura hasta completarlos 1917. Después de la revolucion de ese año, Melnikov desarrolló un nuevo plan para la ciudad de Moscú. De 1921 a 1923 dió clases en su antigua escuela renombrada Vkhutemas. Rechazó el método como base del diseño , por el contrario se basó en la intuición como factor vital ya que representaba el significado social y simbólico de un edificio. Intentó alcanzar una solución arquitectónica aceptable que podría ser considerada una mezcla de clasicismo y modernismo izquierdista. En los años 30 sus proyectos respondieron a las demandas oficiales para el historicismo explícito y simbólico. En 1933 creó su propio estudio en Moscú, pero su intolerancia hacia la creciente burocracia soviética lo llevó a su expulsión de la arquitectura en 1937. Aunque se reintegró parcialmente en la profesión, vivió esencialmente aislado hasta su muerte en Moscú en 1974
Diseños de empaque y publicidad de Rodchenko.
caja de cigarrillos Esmeralda, 1925
diseño: Alexander Rodchenko.
“Rodchenko fue uno de los artistas más versatiles Consrtuctivistas y Productivistas emergidos de la Revolución Rusa. Trabajó como pintor y disñador gráfico antes de cambiar al fotomontaje y la fotografía. Su fotografía siempre estuvo comprometida socialmente, formalmente innovadora y opuesta a la estética pinturesca”
Diseño editorial de Lissitzky.
Su trabajo influyó profundamente en el curso del diseño gráfico. Uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo.
En el año 1919, Marc Chagall, director de la Escuela de Arte en Vitebsk, invitó a Lisstinzky a unirse al cuerpo de profesores, en donde conoció a Kasimir Malevich quien fue una importante influencia para Lissitzky. Mediante diseños experimentales, desarrolló un estilo de pintura que denominó PROUNS (abreviatura de «proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte nuevo»). PROUNS introdujo ilusiones tridimensionales a través del empleo de formas con cierto efecto arquitectónico. Lissitzky llamaba PROUNS a «un estado de intercambio entre la pintura y la arquitectura». esto describe su síntesis de los conceptos de la arquitectura con la pintura.
Los vehículos experimentales de Miturich y Tatlin.
Malevitch y Tatlin, suspendieron sus actividades plásticas a principio de la década de 1920 para dedicarse a proyectos revolucionarios de ingeniería, aunque nunca abandonaron la idea de un servicio artístico no funcional en el sentido material, sino dirigido a la percepción de la realidad. A partir de este organicismo, el constructivismo tomó conciencia de su capacidad para la construcción de un entorno socialista. Él y la tecnología caminaron de la mano y todos los artistas afines a 5 X 5 = 25 conformaron el 18 de marzo de 1921 el Primer Grupo de Constructivistas en Acción, respaldados teóricamente por el pionero del fotomontaje Aleksei Gan, modalidad ésta que iba a convertirse en una de las vías fundamentales de intervención social del constructivismo junto con los quioscos propagandísticos, las escenografías teatrales y otras producciones como los diseños textiles, cuyas construcciones materializan los logros alcanzados por el futurismo y el suprematismo ruso anterior, como los estudios de las fakturas y las composiciones diagonales que eliminan las condiciones materiales a favor de la construcción.
La revista LEF.
LEF («ЛЕФ») fue la revista del Frente de Izquierda de las Artes («Levyi Iskusstv Front» – «Левый фронт искусств»), un gran número de escritores, fotógrafos, críticos y diseñadores a la vanguardia en la Unión Soviética, fundada y editada inicialmente por Osip Brik y Vladimir Mayakovsky, muy relacionada con el constructivismo.
Tenía dos períodos, desde 1923 hasta 1925 como LEF, y más tarde, desde 1927 hasta 1929 como Novi LEF («Nuevo LEF ‘), cuando fue editado por Mayakovsky y Sergei Tretiakov. El propósito de esta publicación, como se señala en uno de sus primeros números, era «reexaminar la ideología y las prácticas del llamado» arte liberal «, y abandonar el individualismo para añadir, un valor del arte para el desarrollo del comunismo.»
La revista surgió como un foro para el debate sobre estética vanguardista, con especial atención a la cuestión de la responsabilidad del artista con la sociedad y su papel en esto.
Con el inicio de la política cultural estalinista que estableció el realismo socialista como la única expresión oficialmente apoya artística, los artistas vinculados a LEF, como Mayakovsky, tienen ahora su trabajo condenada como formalista.
En 1923, para frena la influencia de los “escritores conservadores”, Maiakovski fundó la revista Frente del Arte de Izquierda (LEF) en la que colaboran, entre otros, el escritor Boris Pasternak y los cineastas Dziga Vertov y Sergio Eisentein. En su primer número proclamó que “el estilo” también debía ser revolucionario, había que educar a las masas en la revolución radical de las formas. “Constreñir los materiales en viejos clichés formales, que no les corresponden, conduce a degradar la espléndida materia que nos proporciona la entera realidad soviética”. LEF denunciaba el academicismo por falta de compromiso político y acusaba a Cultura Proletaria de conservadurismo formal, los vanguardistas eran los únicos realmente revolucionarios. Desde su perspectiva, la vanguardia estética y la vanguardia política estaban muy lejos de entenderse ya que, en el arte, los comunistas eran conciliadores y no se comprometían con ninguna corriente
Taburete para sauna. 1952 para el Hotel Palace de Helsinki.
vaso smoke
oscarreyesi 